Dominique Blanc dans "La Douleur" de Marguerite Duras

Jeudi dernier au Théâtre de l’Atelier, j’ai applaudi debout et longtemps à la fin de la représentation de La Douleur de Marguerite Duras, à l’unisson de tous les spectateurs. La salle saluait le talent d’une immense comédienne visiblement ravie et émue par cette réception chaleureuse.

Et pourtant ça ne partait pas très bien de mon côté. La mise en scène de la pièce est signée Patrice Chéreau et Thierry Thieû Niang qui étaient déjà à l’oeuvre dans La nuit juste avant les forêts de Bernard-Marie Koltès avec Romain Duris et j’avais positivement détesté ce qu’ils avaient fait. Et La Douleur obéit aux mêmes règles : décor ultra-minimaliste, une table quelques chaises sur un plateau à nu, la comédienne sur scène assise de dos pendant que la salle se remplit de spectateurs. J’ai eu peur d’assister à un remake de La nuit…. Puis la pièce commence, Dominique Blanc se retourne et commence son récit, désespérément, obstinément assise. Je ne suis pas du tout dedans, il fait beaucoup trop chaud à l’Atelier, la représentation commence à 21h, tout le monde est fatigué, certains piquent même du nez. Je me dis voilà c’est parti pour une nuit juste avant les forêts bis.

Mais Dominique Blanc n’est pas Romain Duris et au bout d’un moment, l’émotion à fleur de peau accroche le regard, la diction si particulière de l’actrice force l’écoute et l’histoire qu’elle nous conte fait une boule dans le ventre. La Douleur, texte expurgé de toutes mentions directes à Marguerite Duras, parle de la douleur d’une femme qui au lendemain de la Seconde Guerre Mondiale attend de savoir si son homme reviendra ou non des camps de la mort. Dominique Blanc nous embarque sur des montagnes russes où l’on monte vers des cimes d’espoir avant de redescendre vers l’enfer du doute. On la voit se préparer au pire, se convaincre que l’homme est mort mais toujours et malgré tout continuer à attendre.

Et puis il y a le texte admirable de Marguerite Duras que Dominique Blanc porte. Il s’y mêle des descriptions quasi cliniques de cette attente, des réflexions sur la folie des hommes et de la guerre, des moments où la logique et la raison s’effacent quand il n’y a plus de mots pour que la douleur s’exprime.

Tout cela fait que La Douleur est une pièce absolument à voir même s’il n’est pas forcément aisé de rentrer dedans durant le premier quart d’heure. Mais vous pouvez faire confiance au texte et à Dominique Blanc pour véritablement passer un grand moment de théâtre.

Le théâtre de Marion Aubert ne ressemble à aucun autre. Je ne saurais le qualifier autrement que de théâtre « monstre » tant c’est méchant autant que jouissif, haut en couleurs autant que ténébreux. On sourit, on rit, on rit franchement, on rit jaune, on rit choqué et au final on en redemande encore et encore. Orgueil, poursuite et décapitation n’échappe pas à la règle.

C’est une pièce composé de plusieurs petites scènes qui s’enchaînent et tournent autour de la famille et des relations d’une certaine M. Auberte, interprétée, comme par coïncidence, par l’auteure herself. Car il faut dire que les matériaux qu’utilise Marion Aubert sont très personnels mais ils sont tellement travaillés, grossis, déformés qu’au final le moindre clampin* devient une créature ubuesque sous sa plume. Dans cette « comédie hystérique et familiale » (c’est le sous-titre de la pièce) nous assistons donc à un défilé de personnages plus bigarrés les uns que les que les autres avec parmi ceux qui m’ont le plus marqués : une belle-mère possessive et jalouse de sa bru, une hystérique et touchante desperate housewife, un poétique poète aux prises avec des êtres invisibles, une jeune femme prisonnière de corps étrangers. Ah oui, je vous avais prévenus, c’est complètement nawak! Mais ce n’est pas gratuit.

L’une des forces de la pièce et de ce que je connais de l’oeuvre de Marion Aubert, c’est qu’on y entend tout ce que tout le monde pense tout bas. Les personnages sont débarrassés de leurs inhibitions sociales ou morales et quand ils parlent, ce qui sort de leurs bouches n’est pas filtré par les convenances et les bonnes manières. Et existe-t-il un territoire plus rempli de non-dits que celui de la famille? Quand ceux-ci volent en éclat, cela donne Orgueil, poursuite et décapitation, plaidoyer haut en couleur contre l’hypocrisie mais sans prise de tête surtout, n’allez pas non plus chercher midi à quatorze heures – mais là encore M. Auberte nous met en garde contre toute tentative d’intellectualisation dans quelques tirades merveilleuses d’auto-dérision.

Et puis, c’est bourré de talents :
Celui de Marion Aubert, auteure au langage ciselé et qui fait mouche à tout coup, comédienne à la drôlerie un peu lunaire.
Celui de ses comparses de la compagnie « Tire pas la nappe » Capucine Ducastelle, formidable interprète (je me souviens de toi Michel Chef-Chef*) de la femme coincée dans des corps étrangers, et Marion Guerrero dont la mise en scène ludique, dynamique et intelligente est une vraie source d’inspiration pour moi.
Celui des comédiens avec mention spéciale à Elizabeth Mazev, Sabine Moindrot et Adama Diop – jubilatoires autant que monstrueux

Donc voilà. Je sais je ne suis pas vraiment objectif mais que voulez-vous ? J’adore tout simplement ce théâtre et si vous pensiez que je ne vivais que pour Sarah Kane, maintenant vous savez qu’il est aussi dans mon paysage théâtral un petit bout de femme à l’accent drôle et chantant et que s’apelorio Marion Aubert ^^

* Clampin : personnage quelconque, quidam – révisez votre argot !
* Michel Chef-Chef : personnage de Les Aventures de Nathalie Nicole-Nicole de la même Marion Aubert

A la base vous savez, je déteste le théâtre ultra-contemporain, le conceptuel, l’avant-gardisme pédant et le théâtre pour le théâtre. Je n’aime pas les pièces ou les mises en scène qui cherchent à choquer pour choquer et qui ne recherche que le buzz. Et pourtant c’est par le scandale d’Anéantis, sa première pièce, que la notoriété de Sarah Kane est arrivée. La différence fondamentale réside dans la profonde sincérité qui hante toutes ses pièces. Elle n’écrivait pas pour les autres mais avant tout pour elle.Elle utilisait son coeur pour nourrir le fond et sa tête pour lui donner forme.

Manque nous aura tellement apporté, j’espère qu’il en sera ainsi pour vous qui viendrez nous voir. Je vous parle là de choses indescriptibles que mes mots ne parviendront jamais à transcrire. Je vous parle d’un incroyable voyage intérieur qui, même s’il est triste, est avant tout infiniment beau, je vous parle de quelque chose qui prend au coeur, aux tripes, je vous parle de mots qui feront écho dans vos esprits – car il y a un cinquième personnage dans Manque : vous. Qui serez là assis et entendrez ce que A,M,B et C ont à vous dire. Vous aurez le choix: écouter ou rejeter. Participer silencieusement ou refuser la vérité des personnages. Dans les deux cas, vous ferez partie de l’aventure.

Et puis les projecteurs s’éteindront, une page se tournera, il faudra chercher, se lancer dans d’autres projets. Au début de la préparation de Manque je me disais qu’au coup d’après j’aurais besoin de retourner vers de la pure comédie. Et me voilà aujourd’hui, touché comme je ne l’ai jamais été avec la sensation du profane qui entre dans un lieu sacré et en ressort bouleversé. Sarah Kane aura transformé ma conception personnelle du théâtre et que les frontières de cet art sont sans limites.

Et après ?

Après, j’ai peur du désert. J’ai peur de m’ennuyer. J’ai peur de devoir ronger mon frein en n’attendant de pouvoir remonter une pièce de Sarah Kane. Je sais que c’est un peu absurde, que c’est un sentiment sur l’instant, que d’autres possibilités, d’autres défis m’attendront. Mais là maintenant je ne sais pas et j’ai crains qu’il n’y ait rien après Sarah Kane

Tout ça pour dire que dans Manque de Sarah Kane, nous sommes gâtés et les répliques « mystère » pullulent. Nous avons accompli un gros travail pour donner du sens à tout ce que nos personnages peuvent prononcer et régulièrement nous échangeons nos interprétations et nous nous concertons pour choisir celle qui convient le mieux à la fois pour le(la) comédien(ne) et pour la pièce en général. Et plus nous avons creusé le texte, plus nous y avons trouvé de significations, plus nous avons pu tisser des liens entre les répliques des uns et des autres, plus nous avons pu construire le fil des histoires qui sous-tendent Manque. Et c’est cela que nous chercherons à rendre aux spectateurs qui viendront nous voir : la cohérence retrouvée d’un texte apparemment disparate. D’ici là, il nous faudra résoudre les dernières énigmes du texte – comme celle qui se pose à moi en ce moment-même alors que je cherche à comprendre ce qui peut bien se passer derrière « le cri d’une jonquille »…

Ouverture de la première bouteille de vin. On parle, de tout, de rien, de Green Paradise bien sûr, de Sarah Kane un peu et une petite voix murmure à mon oreille que nous n’en ferons pas beaucoup alors que nous venons d’ouvrir la billetterie, que l’échéance des représentations se rapprochent, que nous devrions nous tordre l’angoisse et crier et hurler et nous rouler par terre. Mais en fait non : on ouvre une deuxième bouteille et ça papote encore, ça parle de plus en plus fort, ça s’esclaffe, ça rit – bref ça s’amuse. On joue dans moins de deux mois ? Pfffff… on est LARGE!

Il y a bien eu un bref sursaut, un infime instant où j’ai tendu mon texte en disant que nous devrions nous y mettre mais c’est précisement le moment qu’a choisi Fred pour venir prendre des meubles à Sophie pour les décors de Ceci n’est pas une pièce – l’occasion parfaite pour ouvrir une autre bouteille et se taper quelques fous rires supplémentaires.

Au final on n’aura rien fait du tout et pourtant c’était une bonne séance, très cathartique, du genre a vous souder une équipe. C’est sûr que si vous nous demandiez de jouer demain on ferait tout de suite moins les fangios. Mais je vous rassure, à la répétition d’après on était tous à bloc (sûrement parce que Florian était là pour nous fouetter)

Isabelle Huppert dans 4.48 Psychose de Sarah Kane

D’abord, le lieu. Je ne m’attendais pas au décor post-apocalyptique des Bouffes du Nord. Je prenais place par terre, sur un coussin au premier rang, fasciné par la hauteur de la voute, les murs à nus, les décorations noires, incomplètes, cassées du théâtre. J’en avais presque oublié Isabelle Huppert quand la lumière s’éteignit.

Et le monde disparut.

Elle apparut, plus petite que je l’imaginais, le regard aveugle. Elle se tenait là, à quelques mètres de moi et je fus aussitôt happé par son jeu, transporté par la douleur de son personnage, happé par la toute-puissance d’une Isabelle Huppert contrainte par la mise en scène minimaliste de Claude Régy. Ce que j’ignorais alors c’est que j’avais rendez-vous avec quelqu’un d’autre que l’actrice. Dans les vestiges du théâtre une autre force était à l’œuvre : celle des mots pleurés, criés et murmurés qui sortaient de la poitrine d’Huppert, des mots que je connais aujourd’hui presque par cœur, des mots qui ricochent aux parois de l’esprit, roulent en boule dans le ventre et ouvrent les yeux des aveugles.

« Un mot sur une page et le théâtre est là »

La pièce qui se jouait ce soir-là dans le quartier de La Chapelle s’intitulait 4.48 psychose et était signée Sarah Kane. Il faut bien comprendre qu’à l’époque je détestais le théâtre contemporain, mot à prendre dans son acception la plus avant-gardiste. 4.48 avait tout pour me déplaire : comédienne totalement immobile, texte incompréhensible sur un thème désespérant : la dépression qui mène au suicide. C’était sans compter sur la musique des mots de Sarah Kane et sur la façon qu’ils ont de s’imprimer aux cerveaux et de serrer les cœurs. Plus tard je me plongerais dans toute son oeuvre, j’y découvrirais la violence des premières pièces et le chemin qui mène du sang d’Anéantis à la pureté poignante de Manque et 4.48 Psychose.

Ce soir-là j’allais voir Isabelle Huppert – et je suis reparti avec Sarah Kane.

Je vous parle de ces gens qui ont quelque psycho-handicap dans l’existence, les hyper timides, les sans-amis, les « je ne sais pas m’exprimer en public », tous ces gens qui un jour viennent frapper à la porte d’une troupe parce qu’un autre jour quelqu’un leur a dit: « tu devrais faire du théâtre ». Alors comment, en tant que metteur en scène, diriger une telle personne ?

La réponse est très simple: un comédien inadapté social, ça ne se dirige pas, ça ne devrait pas faire de théâtre, ça ne devrait pas exister! Une troupe de théâtre n’est pas un groupe de thérapie.

Ceci dit il existe des thérapies par le théâtre mais c’est autre chose, c’est encadré. Donc si un jour quelqu’un vous dit « tu devrais faire du théâtre », cela signifie « tu devrais voir un psy ».

PS (à l’attention des troupes de théâtre): Attention, certains inadaptés sociaux portent une tenue de camouflage qui ne permet pas forcément de les reconnaître tout de suite. Soyez vigilants!

Se préparer à apprendre
Inutile de se lancer bille en tête dans le potassage bovin des répliques comme en ces temps glorieux où l’on se retrouvait sur l’estrade à dire sa récitation avec autant d’inspiration qu’un mollusque face à un extra-terrestre. Ce qu’il faut bien garder en tête c’est l’objectif à savoir la représentation sur scène de la pièce et pour laquelle on n’attend pas d’un comédien qu’il soit bon récitant mais qu’il habite totalement son personnage. Il faut se préparer et cela passe par la compréhension de la pièce et par celle de son personnage (en accord avec le metteur en scène merci pour lui)
– comprendre une pièce, au delà des messages qu’elle véhicule, consiste à découper le texte en grands mouvements qui peuvent facilement se résumer.
– comprendre ses propres répliques, pourquoi le personnage les prononce, réfléchir à ce qu’il se passe dans sa tête avant, pendant, après la réplique, etc…
Bien appréhender de quoi il s’agit aide grandement à apprendre son texte. Cela permet en plus de commencer à jouer sans forcément le connaître encore par cœur mais au moins, même si la réplique échappe, on sait ce que l’on doit dire, on n’est pas bloqué. Lorsque l’on tient bien son personnage et son histoire, avoir un trou de mémoire n’empêche pas d’avancer. Savoir uniquement son texte est beaucoup plus handicapant.

Nous ne sommes pas tous égaux devant l’apprentissage
Et oui c’est triste à dire mais là où certains n’auront besoin que de quelques lectures pour enregistrer, d’autres peinent souvent à faire rentrer leur texte même si je pense que c’est le plus souvent lié à une mauvaise préparation. De nombreuses fois, j’ai demandé à un comédien bloqué sur une réplique « mis à part le texte, tu voulais dire quoi là? » et j’ai obtenu « ben… » en réponse. Vraiment pas facile de dire bien les choses quand on ne sait déjà pas ce que l’on veut dire.
Mais cela n’empêche pas les disparités qui apparaissent quand on travaille un texte très écrit et où l’on entend souvent « oh la la, mais ça je le sens pas, c’est pas naturel ». Ce qu’il faut faire, c’est identifier par quel moyen vous retenez principalement les choses. Par exemple si vous avez une mémoire visuelle, vous pouvez surligner au stabylo vos répliques (je ne suis pas fan de cette méthode qui aurait tendance à faire oublier les répliques des autres). Si vous avez une mémoire sonore, enregistrez le texte ou lisez le à voix haute, etc… Certains apprennent aussi efficacement en recopiant le texte à la main, d’autres en faisant des petites fiches (une par réplique) qu’ils déroulent comme un jeu de cartes. Identifiez comment vous retenez les choses et utilisez une méthode en adéquation avec votre propre fonctionnement.

Le texte en contexte
Une connaissance théorique parfaite du texte n’est pas toujours suffisante lors de sa mise en pratique sur l’espace scénique. Combien de fois entend-on « ça m’énerve, hier soir je l’avais parfaitement! ». Car il faut bien comprendre qu’au moment de rentrer sur scène il y a tout un tas de facteurs extérieurs qui vont rentrer en compte : les lumières, le regard des gens présents, le metteur en scène qui dit « stop » toutes les deux secondes, le fait qu’il faille bouger sur scène et aussi mais surtout la présence avec soi de partenaires machiavéliques et sources de déconcentration. Tout cela fait que que vous pouvez tout connaître sur le bout des doigts dans votre cuisine et tout perdre une fois sur scène. D’où l’importance des italiennes avec les partenaires ainsi que de travailler sa concentration à côté, il existe plein d’exercices sur la question.

Mais globalement vous l’aurez compris, le plus important dans l’apprentissage d’un texte et bien… ce n’est pas le texte mais bien la compréhension de ce qui se passe dans la tête de votre personnage. Car il n’y pas que vos répliques en jeu, il y a aussi celles des autres. Vous n’arrêtez pas de jouer quand vous n’avez rien à dire. Vous devez habiter votre personnage tout le long du spectacle – quand bien même vous auriez peu à dire. Car un comédien ne fait pas que parler, il écoute aussi et son personnage doit réagir à ce que les autres disent, les répliques des autres permettent aussi de comprendre pourquoi le personnage dit quelque chose et même s’il ne dit rien, il continue de penser.

Le texte, c’est la partie émergée de l’iceberg. Et pour qu’il flotte bien, il faut plonger profondément pour bien l’appréhender et ainsi mieux l’apprendre. Apprendre un texte de théâtre ce n’est pas du bachotage : c’est un travail personnel de fond.

Je ne veux pas d’un défoulement hystérique qui noierait les répliques et les messages adressés à l’audience. Je veux que l’on entende et mieux je veux que l’on écoute.

Je veux mettre en avant l’humanité de Manque et que la mise en scène fonctionne comme un miroir qui nous renverrait à nos propres préoccupations, à ce qui constitue l’essentiel de nos vies. En ce sens, je veux que les acteurs créent et incarnent des personnages riches en expériences, en émotions, en pensées, qu’ils soient les porte-drapeaux des nations individuelles, qu’ils soient uniques et en même temps semblables à tous les êtres.

Je veux dans la forme illustrer l’emprisonnement mental des personnages, je veux contraindre leurs déplacements dans l’espace, qu’ils soient limités, forcés et empêchés comme le sont leurs désirs impossibles à assouvir.

Je veux que la pièce fonctionne comme un tableau impressionniste ou, pour mieux dire, pointilliste. Le décor et les costumes constitueront le cadre fixe, l’enveloppe. L’ambiance sonore sera la toile et les sous-couches, le liant, l’humeur. Répliques et lumières seront coups de pinceau, brefs, indéchiffrables à l’unité mais prenant sens par l’accumulation et la juxtaposition.

Je veux rendre la musique du texte, travailler son rythme, ses accélérations et ses ralentissements, qu’il soit un train, une montagne russe et qu’une fois à bord il devienne impossible dans sortir. Je veux que chaque réplique soit en elle-même une pièce de théâtre et qu’elle se fonde aux autres pour former un chant unique, appuyé par les propositions sonores et de lumières.

Enfin je veux une confrontation frontale entre les personnages et les spectateurs. Je eux des adresses franches, directes et que les deux camps se regardent les yeux dans les yeux via un habillage vidéo en temps réel comme un écho à nos existences numériques et comme accentuation de la réalité humaine profonde de Manque.